Лекция 3 (27.11.2015). Авторская песня, или бардовская музыка – песенный жанр, возникший в середине XX века в разных странах. Его отличительными особенностями является совмещение в одном лице автора музыки, текста и исполнителя, гитарное сопровождение, приоритет значимости текста перед музыкой. Предшественниками авторской песни можно считать городской романс и песенные миниатюры Александра Вертинского. Поначалу основу жанра составляли студенческие и туристские песни, отличавшиеся от «официальных» (распространявшихся по государственным каналам) доминирующей личностной интонацией, живым, неформальным подходом к теме. В довоенной Москве стали популярны песни геолога Николая Власова (1914 – 1957) – «Студенческая прощальная» («Ты уедешь к северным оленям, в дальний Туркестан уеду я…») и др. Чаще всего (хотя и не всегда) исполнители песен этого жанра являются одновременно авторами и стихов, и музыки – отсюда и название. В начале 1950-х мощный пласт авторских песен появился в студенческой среде, в частности, на биологическом факультете МГУ (известнейшими авторами этой плеяды стали Г. Шангин-Березовский, Д. Сухарев, Л. Розанова) и в Педагогическом институте им. Ленина (Ю. Визбор, Ю. Ким, А. Якушева). Широкую популярность приобрела авторская песня в середине 1950-х, с появлением магнитофона. В это время начали систематически сочинять песни Юрий Визбор, Б. Окуджава, Н. Матвеева и А. Дулов. Позднее, в 1960-х – 80-х, классиками жанра стали Владимир Высоцкий,Александр Галич, Владимир Туриянский, Виктор Берковский, Сергей Никитин,Александр Городницкий, Вадим Егоров, Арон Крупп, Евгений Клячкин, Юрий Кукин, Александр Мирзаян, Владимир Бережков, Вера Матвеева, Виктор Луферов, Александр Ткачёв, Пётр Старчик, Александр Суханов, Владимир Ланцберг, Вероника Долина, Александр Дольский, Леонид Семаков, в 80-х и 90-х к ним добавились Михаил Щербаков, Любовь Захарченко и творческий дуэт Алексея Иващенко и Георгия Васильева («Иваси»). Авторская песня была одной из форм самовыражения «шестидесятников». Первый этап – романтический, лидером которого стал Б. Окуджава, продолжался примерно до середины 1960-х гг. Главной сферой реализации романтического начала была «песня странствий» с центральными для неё образами дружбы (друга) и дороги как «линии жизни» – пути в неизведанное и пути к самопознанию. На этом этапе авторская песня практически не выходила за пределы породившей её среды, распространяясь «от компании к компании» изустно или в магнитофонных записях. Публично она исполнялась крайне редко и, опять-таки, почти исключительно «в своем кругу» – в самодеятельных студенческих «обозрениях», «капустниках» творческой интеллигенции и т. п., а также на туристических слётах, которые постепенно превратились в фестивали авторской песни. На этом этапе власти почти не обращали на авторскую песню внимания, считая безобидным проявлением самодеятельного творчества, элементом интеллигентского быта. Особняком, однако, стояли горькие и сатирические песни А. Галича, который уже в начале 60-х гг. («Старательский вальсок», «Спрашивайте, мальчики», «За семью заборами», «Красный треугольник» и др.) обратился к резкой критике существующего строя с неслыханной для того времени смелостью и откровенностью. Эстетика «песни протеста» была продолжена В. Высоцким. Он расширил интонационные приёмы (так, его интонационная находка – распевание согласных) и лексику песни, включив в неё обширный пласт сниженной лексики. Важное место в творчестве многих бардов занимала тема Великой Отечественной войны. При этом, в отличие от героического пафоса песен «официальной культуры», в авторской песне на первое место выходил «человеческий аспект» войны, причинённые ею страдания, её античеловечность («До свидания, мальчики!» Б. Окуджавы, «Баллада о вечном огне» А. Галича, «Так случилось, мужчины ушли» В. Высоцкого и многие другие песни). Видя силу воздействия такой авторской песни, власти перешли к её преследованию. Перед поэтами-певцами наглухо закрылись двери концертных организаций (в 1981 году после XXV Московского слёта КСП по линии ВЦСПС было разослано в регионы письмо, запрещающее предоставление любых площадок для сценических выступлений, издательств, радио- и телестудий, их изгоняли из творческих союзов, выталкивали в эмиграцию (А. Галич), всячески поносили в печати и т. д. В то же время, благодаря «магнитиздату», её знали, пели, слушали, переписывали друг у друга. Однако, отношение государства к авторам было далеко не единым. Так, Союз писателей занимал позицию предельно неприязненную – «что это за поющие поэты»; в то же время Союз композиторов многое делал для авторов самодеятельной песни, считая, что их творчество, при всей самодельности их мелодий, компенсирует некоторое пренебрежение массовой песней, появившееся у профессиональных композиторов в 60-е годы по сравнению с довоенным временем. Среди работ профессиональных композиторов интонации авторской песни узнаваемо звучит у Микаэла Таривердиева, Александры Пахмутовой и Андрея Петрова. Повзрослевшие «барды»-основатели жанра продолжали разрабатывать лирическую линию, но в ней все отчетливее звучали ностальгия по прошлому, горечь потерь и предательств, стремление сохранить себя, свои идеалы, редеющий дружеский круг, тревога перед будущим – настроения, суммированные в чеканной строчке Б. Окуджавы: «Возьмёмся за руки, друзья, чтоб не пропасть поодиночке». Эта лирико-романтическая линия была продолжена в творчестве С. Никитина, А. Дольского, В. Долиной, а также бард-рокеров (А. Макаревич, Б. Гребенщиков, А. Холкин). С начала 1990-х гг. развитие авторской песни перешло в спокойное русло. Растёт число «поющих поэтов» и их исполнительское мастерство, количество их профессиональных организаций, концертов, фестивалей, продаваемых кассет и дисков; оформляется даже своеобразная «классика» авторской песни (популярные альбомы «Песни нашего века»). Появляются посвящённые авторской песне передачи на радио и телевидении. Жанры и термины Чёткой и единой терминологической системы, связанной с песенными жанрами, до сих пор не существует. Иногда термины «авторская песня» и «бардовская песня» употребляют как синонимы. Но, например, Владимир Высоцкий категорически не любил, чтобы его называли «бардом». Хроники показывают, что в 1950-х и начале 1960-х годов наиболее употребителен по отношению к жанру был термин «самодеятельная песня» – его, в частности, применяли и сами авторы. Александр Аркадьевич Галич (1918 – 1977, Париж) – советский поэт, сценарист, драматург, прозаик, автор и исполнитель собственных песен. Стихи и песни С конца 1950-х гг. Галич начинает сочинять песни, исполняя их под собственный аккомпанемент на семиструнной гитаре. Отталкиваясь в какой-то мере от романсовой традиции и искусства А. Н. Вертинского, Галич стал одним из самых ярких представителей жанра русской авторской песни (наряду с В. C. Высоцким и Б. Ш. Окуджавой), который вскоре развили барды и который с появлением магнитофонов приобрёл огромную популярность. В этом жанре Галич сформировал своё собственное, особое направление. Первые песни – «Леночка» (1959), «Про маляров, истопника и теорию относительности» и «Закон природы» (обе1962) – будучи относительно безобидными в политическом отношении, тем не менее резко диссонировали с официальной советской эстетикой. Так начался коренной перелом в творчестве весьма благополучного советского литератора. Конфликт с советскими властями В дальнейшем его песни становились всё более глубокими и политически острыми, что привело к конфликту с властью. Галичу было запрещено давать публичные концерты. Его не печатали и не позволяли выпустить пластинку. По сути дела, это был запрет на любую профессиональную деятельность и работу. Он выступал со своими песнями по квартирам, на так называемых «домашних концертах», собиравших ему очень небольшие заработки. Его песни распространяли и передавали друг другу в магнитофонных записях, благодаря которым он становился всё более популярен и которые изымались работниками КГБ при обысках. Что же произошло с преуспевающим членом Союзов советских писателей и кинематографистов: драматургом, сценаристом большого количества кинофильмов, автором популярных песен для молодёжи на рубеже его пятидесятилетия? Вот что сам Галич сказал об этом: "Я уже всё видел. Я уже был благополучным сценаристом, благополучным драматургом, благополучным советским холуём. И я понял, что я так больше не могу. Что я должен, наконец-то, заговорить в полный голос, заговорить правду…" И этого ему не простили. В 1974 году он покинул родину. "На воле – снег, на кухне – чад, вся комната в дыму, а в дверь стучат, а в дверь стучат, на этот раз – к нему! … О чём он думает теперь, теперь, потом, всегда, когда стучит ногою в дверь чугунная беда?! … (А в дверь стучат!) В двадцатый век! (Стучат!) Как в темный лес. Ушёл однажды человек и навсегда исчез", - эти строки были посвящены Даниилу Хармсу. Булат Шалвович Окуджава (1924 – 1997, Франция) – советский и российский поэт, бард, прозаик и сценарист, композитор. Автор около двухсот авторских и эстрадных песен, написанных на собственные стихи, один из наиболее ярких представителей жанра авторской песни в 1950-е –1980-е годы. Поэт, бард Первая песня Окуджавы «Нам в холодных теплушках не спа́лось» относится к периоду службы в артиллерийской бригаде, текст песни не сохранился. Вторая была написана в 1946 году – «Старинная студенческая песня» («Неистов и упрям…»). Cтихи Окуджавы впервые появились в гарнизонной газете Закавказского фронта «Боец РККА» (позднее – «Ленинское знамя»), сначала под псевдонимом А. Долженов. В 1956 году выпустил свой первый сборник «Лирика». В 1959 начал выступать со своими песнями, быстро завоёвывая популярность. К этому периоду (1956 – 1967) относится сочинение многих известных песен Окуджавы: «На Тверском бульваре», «Песенка о Лёньке Королёве», «Песенка о голубом шарике», «Сентиментальный марш», «Песенка о полночном троллейбусе», «Не бродяги, не пропойцы», «Московский муравей», «Песенка о комсомольской богине» и др. В 1961 году в Харькове состоялся первый в СССР официальный вечер авторской песни Окуджавы. В 1962 году он впервые появился на экране в фильме «Цепная реакция», в котором исполнил песню «Полночный троллейбус». В 1970 году на экраны вышел фильм «Белорусский вокзал», в котором исполнялась песня Булата Окуджавы «Нам нужна одна победа». Окуджава – автор и других популярных песен для кинофильмов. В общей сложности песни Окуджавы и на его стихи звучат в более чем 80-ти фильмах. Окуджава стал одним из самых ярких представителей жанра русской авторской песни (наряду с В. C. Высоцким и А. А. Галичем), который с появлением магнитофонов приобрёл огромную популярность. В этом жанре Окуджава сформировал своё направление. В 1967 году во время поездки в Париж он записал 20 песен на студии «Le Chant du Monde». На основе этих записей первая пластинка с песнями Окуджавы вышла в Париже в 1968 году под названием «Le Soldat en Papier». В том же году в Польше вышла пластинка с песнями Окуджавы в исполнении польских артистов, и одна песня – «Прощание с Польшей» – в нём была в исполнении автора. Песни Булата Окуджавы, распространяясь в магнитофонных записях, быстро завоёвывали популярность, в первую очередь среди интеллигенции: сначала в СССР, затем и среди русской эмиграции. Песни «Возьмёмся за руки, друзья…», «Пока Земля ещё вертится…» («Молитва Франсуа Вийона») стали гимном многих слётов КСП и фестивалей. Владимир Семёнович Высоцкий (1938 – 1980) – советский актёр, поэт и автор-исполнитель песен. Владимир Высоцкий вошёл в историю как автор-исполнитель своих песен под русскую семиструнную гитару. Начало поэтической деятельности Своё первое стихотворение «Моя клятва» Высоцкий написал 8 марта 1953 года, будучи учеником 8 класса. Оно было посвящено памяти Сталина. В нём поэт высказывал чувство скорби по недавно умершему вождю. В начале 1960-х годов появились первые песни Высоцкого. Песня «Татуировка», написанная летом 1961 года в Ленинграде, многими считается первой. Неоднократно таковой её называл и сам Высоцкий. Зрелые годы Проработав менее двух месяцев в Московском театре миниатюр, Владимир безуспешно попытался поступить в театр «Современник». В 1964 году Высоцкий создал свои первые песни к кинофильмам и поступил на работу в Московский театр драмы и комедии на Таганке. Поэтическое и песенное творчество, наряду с работой в театре и кино, стало главным делом его жизни. В Театре на Таганке В. С. Высоцкий проработал до конца жизни. В июле 1967 года Владимир Высоцкий познакомился с французской актрисой русского происхождения Мариной Влади (Мариной Владимировной Поляковой), ставшей его третьей женой (декабрь 1970 года). 13 февраля 1978 года приказом № 103 министра культуры СССР, согласно записи в аттестационном удостоверении артиста № 17114, Владимиру Высоцкому была присвоена высшая категория вокалиста-солиста эстрады, что явилось официальным признанием Высоцкого «певцом-профессионалом». В СССР по Центральному телевидению в годы жизни Высоцкого не было показано ни одного его концертного выступления или интервью. Высоцкий дал более тысячи концертов в СССР и за рубежом. 22 января 1980 года он записался на ЦТ в программе «Кинопанорама», фрагменты которой были впервые показаны в январе 1981 года, а целиком передача (хронометраж 1 час 3 мин.) вышла только 23 января 1987 года. В первой её части Высоцкий исполнял «маленькое попурри» песен из фильма «Вертикаль», песни «Мы вращаем Землю»; «Почему аборигены съели Кука, или Одна научная загадка» (из фильма «Ветер „Надежды“». Название песни дано по расшифровке фонограммы видеозаписи Высоцкого); «Я не люблю», «Пожары», «Утренняя гимнастика», «Парус», а во второй: «Песенка ни про что, или Что случилось в Африке»; «Письмо в редакцию телевизионной передачи „Очевидное–невероятное“ из сумасшедшего дома,− с Канатчиковой дачи»; «Песня о земле» из фильма «Сыновья уходят в бой» и «Баллада о Любви». Высоцкий написал больше 200 стихотворений, около 600 песен и поэму для детей (в двух частях); в общей сложности его перу принадлежит приблизительно 850 поэтических произведений. Довольно много песен было написано специально для кинофильмов, но большая их часть, иногда по техническим причинам, но чаще из-за бюрократических запретов, в окончательные версии фильмов не вошла (например, в фильмы «Земля Санникова», «Вторая попытка Виктора Крохина», «Бегство мистера Мак-Кинли», «Стрелы Робин Гуда» и другие). Стиль и тематика песен Гитара у меня появилась не сразу. Сначала я играл на рояле, потом – на аккордеоне. Я тогда ещё не слышал, что можно петь стихи под гитару, и просто стучал ритм песни по гитаре и пел свои и чужие стихи на ритмы. Как правило, Высоцкого причисляют к бардовской музыке, однако здесь нужно сделать оговорку. Тематика песен и манера исполнения Высоцкого заметно отличалась от большинства других, «интеллигентных» бардов, кроме того, сам Владимир Семёнович не причислял себя к «бардовскому» движению: Кроме того, в отличие от большинства советских «бардов», Высоцкий был профессиональным актёром и, уже по этой причине, не может быть отнесён к самодеятельности. Сложно найти стороны жизни, которые бы он не затронул в своём творчестве. Это и стилизации под «блатные» песни, и баллады, и любовная лирика, а также песни на политические темы: часто сатирические или даже содержащие резкую критику (прямую или, чаще, написанную эзоповым языком) общественного строя, песни об отношении к жизни простых людей, юмористические песни, песни-сказки и даже песни от лица неодушевлённых «персонажей» (например, «Песня Микрофона»; «Баллада о брошенном корабле»). Многие песни написаны от первого лица и впоследствии получили название «песни-монологи». В других могло быть по нескольку героев, «роли» которых Высоцкий исполнял, меняя голос (например, «Диалог перед телевизором»). Это своеобразные «песни-спектакли», написанные для исполнения одним «актёром». Высоцкий пел о чувстве собственного достоинства людей как в повседневной жизни, так и в экстремальных ситуациях, о силе характера и тяготах человеческой судьбы, что принесло ему огромную популярность. Необычно и ярко им представлена военная тематика в песнях о Великой Отечественной войне. Точность и образность языка, исполнение песен «от первого лица», искренность автора, экспрессивность исполнения создавали у слушателей впечатление, что Высоцкий пел об опыте собственной жизни (даже об участии в Великой Отечественной войне, по окончании которой ему было всего 7 лет) – хотя подавляющая часть историй, рассказанных в песнях, была либо целиком и полностью придумана автором, либо основана на рассказах других людей. Детские впечатления переросли в зрелые поэтические чувства. В песнях он в первую очередь уделяет внимание тексту и содержанию, а не форме (с противопоставлением себя, таким образом, эстраде). Большую известность В.Высоцкий получил за «песни на надрыве» — такие как «Кони привередливые», «Про Райские яблоки», «Спасите наши души!», «Темнота впереди…», «Охота на волков», «Банька по-белому», «Я ещё не в угаре…», «Очи чёрные», «Бег иноходца», «Смерть Истребителя в 13-ти заходах», «Две судьбы»; и многие другие. Как исполнитель своих песен, Высоцкий отличался нетрадиционной манерой пения — он интонировал не только гласные, но и согласные. Рок-поэзия Наш отечественный вариант рок-музыки весьма отличается от англо-американского «прародителя» и аналога. Часто при обсуждении национального своеобразия русского рока утверждается, что в русских рок-песнях особое значение имеют тексты. В основе русского рока всегда было Слово, что наши рок-музыканты всегда были поющими поэтами, что относились они к поэтическому тексту уважительно и трепетно, ощущая себя «частью поэтической парадигмы русской литературы», и что за их творчеством тянется «неизбежный шлейф» внушительной литературной традиции. Действительно, русская рок-поэзия есть феномен сложный и синкретический, вобравший в себя и опыт англоязычного рока, и бардовскую песню в самых различных ее изводах, и советскую песню, и литературную поэзию (в первую очередь Серебряного века), и городской романс, и самые разные фольклорные формы – от казачьих песен до частушек, заплачек и былин, и еще многое, многое другое. Рок-тексты принадлежат к особому виду поэзии, а именно к так называемой «поэзии напевного строя». Графическое представление этих текстов неизбежно вызывает у реципиента, привыкшего подобные тексты слушать, а не читать, более или менее ярко выраженный культурный шок. Борис Борисович Гребенщиков (псевдоним – БГ, 1953, Ленинград) – российский поэт и музыкант, композитор, певец и гитарист рок-группы «Аквариум», один из «отцов-основателей» русской рок-музыки. Лето 1972 – 1991 Гребенщиков вместе с Анатолием Гуницким основал группу «Аквариум». Группа жила полуподпольной жизнью, делая домашние записи и изредка выезжая на короткие гастроли в другие города. Апрель 1980 – после выступления на Тбилисском рок-фестивале был исключён из комсомола (вступил в 1967), снят с должности младшего научного сотрудника, уволен с работы, а группа «Аквариум» была запрещена официально. 1981 – первый полноценный самиздатский альбом в истории русского рока, с обложкой, записанный в студии – «Синий Альбом» Аквариума. Группа становится членом Ленинградского рок-клуба; принимала участие в первых пяти его фестивалях. 1989 – выпуск за границей первого англоязычного альбома «Radio Silence», с участием Дэйва Стюарта из Eurythmics. 1992 – 1997 новый состав «Аквариума» (Аквариум 2.0). Первый же альбом «Искушение святого Аквариума» (1973) разошелся в самиздате. Эта музыка не имела ничего общего с творчеством ленинградских рок-групп того времени, исполнявших узкоспециальные советские песни. «Аквариум» органично сделался частью мировой рок-культуры, ассимилируя ее в советском музыкальном пространстве. После появления этого бэнда, понятие об отечественной рок-музыке кардинально поменялось. «Аквариум» и «Кино» стали самыми известными музыкальными проектами в СССР в 1980-е. Они собирали стадионы. Борис Гребенщиков и его окружение одними из первых обратили внимание на это новое музыкальное направление. Произошло знакомство с Виктором Цоем и группой «Кино», тогда еще «панками в законе». Артемий Троицкий пригласил музыкантов на фестиваль в Тбилиси с акустической программой. Но без ведома организаторов фестиваля программу изменили. Впервые публика услышала такие песни, как «Минус 30», «Кусок жизни», «Герои». В 1993 году участники группы «Аквариум» воссоединились и, как будто обретя второе дыхание, стали покорять любителей отечественной рок-музыки с новыми силами. Выходят альбомы «Любимые песни Рамзеса IV», «Кострома mon amour», «Навигатор», «Снежный лев». В них очень много вальсов – типично русская мелодика, напевность. Вновь появляется столь любимая «Аквариумом» эклектика, ощущается большое влияние восточной музыки и философии. В 1997 году выходят альбомы «Гиперборея», «Лилит», записанный с западными музыкантами – на этот раз с группой The Band. С группой «Аквариум» издано более 40 альбомов, написано более 500 песен. Среди мегахитов: «Старик Козлодоев», «Город золотой», «Рок-н-ролл мертв», «Дети декабря», «Сестра», «Серебро Господа моего», «Дубровский». Виктор Робертович Цой (1962, Ленинград – 1990) – советский рок-музыкант, автор песен и художник. Основатель и лидер рок-группы «Кино», в которой пел, играл на гитаре, писал музыку и стихи. Снялся в нескольких фильмах. В молодости был поклонником Михаила Боярского и Владимира Высоцкого, позднее Брюса Ли, имиджу которого начал подражать. Увлекался восточными единоборствами. В конце 1970-х – начале 1980-х началось тесное общение между Алексеем Рыбиным из любительской группы «Пилигримы» и Виктором Цоем, игравшим на бас-гитаре в группе «Палата № 6», оба они заходили в гости к Майку Науменко. Там и происходили первые квартирники Виктора Цоя. Приобретя некоторую известность, Виктор Цой и Алексей Рыбин в составе «Автоматических удовлетворителей» ездили в Москву и играли панк-рок-металл на квартирниках Артемия Троицкого. Во время одной из таких поездок Виктора Цоя, поющего под гитару с компанией в электричке, заметил Борис Гребенщиков. Он предложил Виктору помощь и поддержку. Летом 1981 года Виктор Цой, Алексей Рыбин и Олег Валинский основали группу «Гарин и Гиперболоиды», которая уже осенью была принята в члены Ленинградского рок-клуба. Вскоре Валинского забирают в армию, а группа, сменив название на «Кино», приступила к записи первого альбома. «Кино» под руководством Бориса Гребенщикова записывались на студии в Доме Юного Техника, в записи принимали участие все музыканты «Аквариума». Вскоре «Кино» уже выступали со своим первым электрическим концертом на фестивале рок-клуба. К лету 1982 года альбом был полностью завершён, продолжительность его звучания составляла 45 минут, откуда и появилось название. Запись получила некоторое распространение по стране, о группе заговорили, начались квартирные концерты в Москве и Ленинграде. 19 февраля 1983 года проходит совместный электрический концерт «Кино» и «Аквариума», музыканты выступали с тёмным макияжем и в костюмах со стразами. При этом они исполняли «Электричку», «Троллейбус» и «Алюминиевые огурцы». В 1988 выходит «Игла» и «Группа крови», которые породили «киноманию». Начинаются триумфальные гастроли по России, Украине и Белоруссии – «Кино» собирают аншлаги на всех концертах. «Смерть стоит того, чтобы жить, а любовь стоит того, чтобы ждать…» В Кривоарбатском переулке (Москва) появилась «стена Цоя», которую поклонники группы исписали надписями «Кино», «Цой жив», цитатами из песен и признаниями в любви музыканту. У поклонников творчества Цоя до сих пор принято оставлять в специальной пепельнице у Стены надломленную прикуренную сигарету. Там же планировалось установить памятник музыканту: босиком и сидящему на мотоцикле. Юрий Юлианович Шевчук (1957) – советский и российский рок-музыкант, поэт, композитор, актёр, художник и продюсер, основатель, лидер и единственный бессменный участник группы ДДТ. Свои ранние песни Шевчук писал под влиянием отечественных бардов, в первую очередь Владимира Высоцкого, Булата Окуджавы и Александра Галича, а также русских поэтов Серебряного века – Осипа Мандельштама, Сергея Есенина и других. Шевчук продолжал развивать тематику песен Высоцкого, за что их до сих пор нередко сравнивают. Основной тематикой творчества Шевчука является гражданственно-патриотическая лирика, призыв к нравственному самосовершенствованию, отказу от насилия и преодолению ненависти, а также социальная сатира и протест. В конце 1979 года, по рекомендации общего знакомого, Шевчук был приглашён в безымянную группу, которая репетировала в местном ДК «Авангард». Так в 1980 году появляется рок-группа, которая скоро станет известна как «ДДТ». К этому времени Юрий писал стихи, и исполнял их под гитару. Ребята начали выступать на студенческих вечерах, в ресторанах, кинотеатрах и домах культуры – практически на любых площадках. Они даже записывают свой первый магнитоальбом из семи песен, известный сегодня под названием «ДДТ-1». Репертуар группы балансирует между популярными в те годы хард-роком, рок-балладами, ритм-энд-блюзом и рок-н-роллом, и почти сразу в песнях начали проявляться фольклорные интонации. Альбом, который получил название «Компромисс» (1983) быстро разошелся по стране, впервые поставив имя «ДДТ» и Шевчука на один уровень со звёздами питерского рок-клуба. Шевчук колесит по стране, выступает на квартирах друзей. В конце 1985 года Юрий окончательно переезжает с семьёй в Ленинград, где как и многие представители его поколения — молодые рок-музыканты и художники, он работает дворником, кочегаром, ночным сторожем и активно пишет песни. Начало 90-х годов изменило расстановку сил на сцене, что отражалось и на моделях поведения отечественных рок-музыкантов. Культовые фигуры рок-движения страны становятся менее агрессивны в своих стихах, музыке, чем поп-музыканты, которые в это время занимают основные концертные площадки страны. Но Юрий Шевчук и его группа «ДДТ» продолжает свой курс, записывая новые песни и альбомы – лирические, философские, социальные. В то же время Шевчук остро реагирует на события в стране – вооружённое противостояние 1993 года, войну в Чечнеи старается быть всегда в центре событий, часто выступает с критикой российских властей, даёт интервью на острые социальные темы. Став к середине 90-х годов признанным мэтром российской рок-музыки, Юрий Шевчук продолжает поддержку молодых коллективов и исполнителей. Вместе с друзьями он организует большие фестивали, на которые приглашает талантливых музыкантов, отобранных ими во время гастролей по стране. Результатом фестиваля становятся записи дисков – сборников песен лучших групп на собственном лейбле «ДДТ». Таким образом, молодые музыканты получали возможность заявить о себе широкой общественности. Другая сторона музыкальной деятельности Шевчука – непримиримая борьба с поп-исполнителями, которая выражается в исполнении песен «Фонограммщик» и «Попса», публикациях в СМИ критических интервью и заявлений, а иногда даже в физических столкновениях. 2000-е годы ознаменовали новый этап в творчестве «ДДТ». В альбомах «Единочество 1, 2», (2002—2003), «Пропавший без вести» (2005), «Прекрасная любовь» (2007) – поднимаются глубокие темы современного общества, ничтожность и величие человека в мире, любовь к жизни, религиозные мотивы. «Это все»: 1.00 — 5.10